Clegane fait parler la poudre et les textures

Avec « Ocean of Black Thoughts », Clegane poursuit un parcours entamé en 2015 dans les profondeurs de la scène underground parisienne. D’abord pensé comme un projet doom relativement classique, le trio a développé une personnalité singulière, entre lourdeur, mélodie et influences des années 90. Composition instinctive, amour du son organique, passion pour le matériel et aventure canadienne : rencontre avec Guillaume, le guitariste du groupe, qui préfère toujours les amplis qui chauffent aux écrans d’ordinateur.

Du doom aux couleurs des années 90

À l’écoute de ce nouvel album, on a l’impression d’entendre un groupe qui a trouvé son équilibre. Pourtant, l’histoire de Clegane a connu plusieurs tournants. Peux-tu revenir sur cette décennie ?

À vrai dire, lorsque le groupe est né en 2015, nous étions très loin d’imaginer ce qu’il deviendrait aujourd’hui. À l’époque, nous n’étions que deux : Rudy à la batterie et moi. L’idée était toute simple : monter un projet doom. Pas forcément quelque chose de très original, mais quelque chose qui nous ressemblait.

Le premier changement important est arrivé lorsque nous avons cherché quelqu’un pour assurer le chant. J’avais envie de tenir une guitare, mais je ne me voyais pas gérer l’aspect vocal en même temps. Laurent est alors arrivé avec sa basse, sa personnalité et surtout une culture musicale différente de la nôtre. C’est lui qui a apporté ce côté grunge et alternatif qui est devenu une partie importante de notre identité. Ce n’était absolument pas prévu au départ. Nous nous sommes simplement laissé guider par ce qui fonctionnait entre nous.

Le deuxième grand tournant a évidemment été le Covid. Comme beaucoup de groupes, nous avons dû nous réorganiser. Rudy est parti et Olivier nous a rejoints derrière les fûts. Lui aussi est très marqué par les années 90 et cela a encore renforcé cette coloration musicale qui était déjà présente.

Le nouvel album représente finalement quelque chose d’assez particulier parce que c’est la première fois que les trois membres actuels du groupe participent pleinement à la création d’un disque du début à la fin. C’est probablement la photographie la plus fidèle du Clegane actuel.

On parle de doom, de grunge, parfois même de sludge ou de stoner à votre sujet. Ce nouvel album marque-t-il une évolution volontaire vers un son plus nineties ?

Ce qui est amusant, c’est que nous ne réfléchissons jamais comme ça lorsque nous composons. Nous ne sommes pas le genre de groupe qui se réunit autour d’une table en disant : « Le prochain album sera plus doom » ou « cette fois nous allons accentuer telle influence ».

Nous fonctionnons essentiellement à l’instinct. Quelqu’un apporte une idée, nous la jouons tous les trois et nous voyons ce qui se passe. Si cela provoque quelque chose chez nous, nous poursuivons dans cette direction. Si ce n’est pas le cas, nous passons à autre chose. Je pense que c’est précisément cette absence de réflexion théorique qui permet au groupe d’évoluer naturellement. Avec le recul, oui, les influences des années 90 sont certainement plus présentes aujourd’hui. Mais elles se sont imposées d’elles-mêmes. Elles ne sont pas le résultat d’une stratégie artistique calculée.

Tu sembles d’ailleurs davantage parler de textures que de riffs lorsqu’il s’agit de définir l’identité du groupe.

C’est parce que je crois sincèrement que notre personnalité se situe là. Les riffs restent évidemment importants. Ils constituent la base des morceaux. Mais finalement, beaucoup de groupes peuvent jouer des riffs lourds. Ce qui différencie réellement un groupe d’un autre, c’est la manière dont il travaille ses sons.

Nous accordons énormément d’importance aux textures, aux espaces, aux couches sonores, aux interactions entre les instruments. Nous essayons constamment de trouver un équilibre entre la guitare, la basse, la batterie et les effets. Parfois, une simple modification de sonorité change complètement la perception d’un passage. C’est quelque chose qui nous passionne.

Justement, chez Clegane, la basse semble occuper un rôle très particulier.

Oui, et c’est probablement l’un des éléments les plus caractéristiques de notre musique. Historiquement, dans le rock, on considère souvent que la guitare doit porter les parties principales. Chez nous, ce n’est pas forcément vrai. Laurent occupe très régulièrement l’espace mélodique. Beaucoup de lignes importantes sont jouées à la basse. Il lui arrive même d’assurer un rôle presque lead sur certains passages.

Et honnêtement, cela me plaît énormément. J’adore la chaleur naturelle que possède la basse. Lorsqu’elle joue une mélodie, elle apporte quelque chose de plus organique, de plus rond. Dans notre univers musical, cela fonctionne particulièrement bien.

Composer ensemble et laisser respirer les morceaux

Comment naissent généralement les morceaux aujourd’hui ?

Pendant longtemps, c’était surtout moi qui apportais les riffs. Je travaille beaucoup seul chez moi. Je suis plutôt quelqu’un de réservé et j’ai besoin de ce temps de recherche personnel. Je passe du temps à expérimenter, à essayer différentes choses, à voir ce qui me plaît. Ensuite, j’arrive en répétition avec plusieurs idées et nous commençons à construire quelque chose ensemble.

Laurent joue souvent un rôle important dans l’assemblage des morceaux. Il est très fort pour trouver des passerelles entre différentes idées ou imaginer des transitions auxquelles je n’aurais pas pensé. Depuis quelque temps, il apporte également de plus en plus de compositions complètes, ce qui enrichit énormément notre façon de travailler. Aujourd’hui, l’écriture est devenue beaucoup plus collégiale qu’à nos débuts.

À une époque où beaucoup de groupes composent entièrement à distance, vous semblez pourtant rester très attachés aux répétitions traditionnelles.

C’est vrai. Et nous sommes probablement un peu vieux jeu sur ce point-là. Nous savons parfaitement qu’il existe aujourd’hui des outils extraordinaires qui permettent de travailler à distance. Nous pourrions échanger des sessions, partager des démos, construire des morceaux via Internet.

Mais nous continuons à privilégier la présence physique. Nous avons besoin de nous retrouver dans la même pièce et de voir la réaction immédiate des autres lorsqu’une idée apparaît. C’est quelque chose qui ne se remplace pas. Peut-être que cela nous fait perdre du temps d’un point de vue purement pratique, mais nous y gagnons énormément en spontanéité.

Cette approche très organique semble également se retrouver dans la façon dont vous enregistrez vos albums.

Absolument. Nous avons toujours cherché à préserver la dimension humaine de notre musique. Nous avons essayé différentes méthodes au fil des années, mais nous revenons toujours à la même philosophie : laisser respirer les morceaux.

Aujourd’hui, les outils numériques permettent de corriger pratiquement tout. Les voix, les rythmes, les nuances… Mais à force de vouloir tout perfectionner, on finit parfois par enlever ce qui rend une interprétation vivante. Nous préférons conserver certaines aspérités : ce sont elles qui donnent une âme à un disque.

Cette volonté d’authenticité va jusqu’au support physique. Alors que beaucoup de groupes se contentent désormais de diffuser leur musique en ligne, vous continuez à attacher beaucoup d’importance au CD.

Je crois que c’est lié à notre rapport général à la musique. J’aime le numérique, évidemment. C’est pratique, accessible et cela permet de découvrir énormément de groupes. Mais rien ne remplace pour moi le fait d’avoir un disque entre les mains. J’aime qu’un album existe physiquement, avec un objet, une pochette, un livret, une identité visuelle.

Le CD promotionnel que tu as reçu en est un bon exemple. Il possède certaines différences par rapport à la version commerciale. Ce sont de petits détails, mais ils participent à l’histoire du disque.

La liberté et le grand départ

Derrière cette sortie, il y a également toute une structure que vous gérez vous-mêmes. Avec le recul, qu’est-ce que cela représente aujourd’hui ?

Beaucoup plus de travail que nous l’imaginions au départ. Lorsque nous avons commencé à gérer davantage de choses nous-mêmes, nous pensions surtout gagner en liberté. Et c’est vrai. Mais cette liberté a un coût. Nous devons gérer la communication, la promotion, le merchandising, les concerts et une multitude de tâches invisibles.

Parfois, on se demande sincèrement comment font les groupes qui doivent en plus gérer une vie familiale importante. Nous avons la chance de pouvoir consacrer énormément de temps au groupe. Sans cela, certaines choses seraient probablement impossibles.

Au moment de cet entretien, vous vous apprêtez à partir en tournée au Canada. C’est un sacré changement d’échelle. Comment cette aventure est-elle née ?

Oui, et c’est probablement l’une des aventures les plus excitantes que nous ayons vécues jusqu’à présent. Ce qui est beau, c’est qu’elle est née très naturellement. Nous avons rencontré les membres de SEUM au fil des concerts. Des liens se sont créés. Nous sommes restés en contact et, un jour, ils nous ont proposé de venir jouer au Canada.

Au début, cela ressemblait presque à une boutade. Et puis les choses se sont progressivement concrétisées. Aujourd’hui, nous nous apprêtons réellement à partir. Je suis très enthousiaste, mais aussi un peu nerveux parce que ce sera ma première fois au Canada. Mais c’est exactement pour vivre ce genre de moments qu’on monte un groupe.

Une baryton et un pedalboard qui grandit

Avant de conclure, impossible de ne pas parler matériel. On sent que la recherche sonore occupe une place importante chez toi. Ton équipement a-t-il été construit autour de modèles précis ?

Pas vraiment, et c’est précisément ce qui est assez drôle. À la base, je me considère davantage comme un chanteur que comme un guitariste. La guitare est arrivée parce que le projet en avait besoin. Lorsque j’ai commencé, je me suis beaucoup reposé sur les conseils d’amis musiciens, notamment certains guitaristes de groupes que j’appréciais. Petit à petit, j’ai développé mes propres goûts et construit mon propre son.

Aujourd’hui, je joue principalement sur une Orange CR120. Avant cela, j’utilisais une Dark Terror que j’aimais énormément mais qui atteignait parfois ses limites en termes de puissance.

Pour les effets, j’ai longtemps vécu avec une Big Muff et une Octavix. Puis les choses ont progressivement dégénéré, comme pour tous les guitaristes… Un delay, une reverb, une Freeze, un flanger récemment… Le pedalboard continue d’évoluer.

Quant à ma guitare, je reste fidèle à mon Ibanez baryton. Elle répond parfaitement à mes besoins et je n’ai pas encore trouvé de raison de la remplacer.

Dernière question : avec ce nouvel album, où en est déjà Clegane ?

Comme souvent, nous avons déjà un temps d’avance. Pendant que cet album commence sa vie, nous sommes déjà en train de composer la suite. Et finalement, c’est probablement le meilleur signe de bonne santé possible pour un groupe. Nous sommes fiers de ce disque parce qu’il représente réellement ce que nous sommes aujourd’hui. Mais nous avons encore beaucoup d’idées, beaucoup d’envies et beaucoup de choses à explorer. L’histoire continue.